Art Galerie Nolden/H – Paris

Your Art Shop. Von Picasso bis Gerhard Richter

Gerhard Richter: ‘Abstrakte Bilder” – acht handsignierte Drucke

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p e1361730981927 Gerhard Richter: Abstrakte Bilder   acht handsignierte DruckeGerhard Richter: „Abstraktes Bild 858 -3“, 2002, handsignierter Offsetdruck nach dem gleichnamigen Ölgemälde von 1999, Werkverzeichnis: 858-3, aus der Suite mit acht handsignierten Drucken, Offsetdruck, Garda Matt 250 gsm, Bildformat: 40,7 cm x 28,2 cm, Blattformat : 42 cm x 31 cm, handsigniert von Gerhard Richter mit Signierstift, vorne, untere rechte Bildhälfte. (Authentizitäts-Zertifikat, Eigentumsbescheinigung). Gesamtpreis für alle acht signierten Drucke € 8.000 – klicken Sie hier: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

Richter 858. 1999 schuf Gerhard Richter acht abstrakte Bilder, die Poeten und Musiker gleichermaßen faszinierten und inspirierten. Diese Bilder und die dazu geschaffenen Essays und Musik fügen sich zu einem eigenständigen Kunstwerk zusammen, das wir Ihnen hier exklusiv anbieten.

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Andreas Gursky – Reporter des Weltgeistes

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04 Apr. 03 Andreas Gursky   Reporter des WeltgeistesAndreas Gursky: “99 cent”, 2001,  offizielles Ausstellungsplakat, anlässlich der Retrospektive Andreas Gursky 2001 in New York, produziert in Zusammenarbeit mit dem Künstler, Copyright © Art Galerie Nolden/H – Paris, gedruckt auf schwerem Offsetpapier, Format: 142 x 86 cm. Preis auf Anfrage für Andreas Gursky 99 cent, hier: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris – klicken Sie hier!

Andreas Gursky zählt heute zu den international gefeierten zeitgenössischen Künstlern. Mit seinen seit 1991 auch digital bearbeiteten Bildern geht er an die Grenzen des Mediums – ohne sie wirklich zu überschreiten. Gurskys fotografische Weltsicht ist aus vielen Blicken aus der Realität zusammengesetzt, diese mögen bearbeitet worden sein, aber er nimmt – ganz Becher-Schüler – das Dokumentarische als Ausgangspunkt. Wenn er einen Billig-Markt in den USA fotografiert, in dem jede Ware nicht mehr als 99 Cent kostet, dann schafft er eine treffende Metapher der Konsumgesellschaft. Dass das Bild für 2,9 Millionen US Dollar, 2007 bei Sotheby’s New York verkauft wurde, ist dann nur noch eine Ironie der Geschichte und wiederum eine Metapher für die Welt des Kunstmarktes.

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ARAKI – schockierend und geheimnisvoll zärtlich

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05 Feb. 27 e1361973482114 ARAKI   schockierend und geheimnisvoll zärtlichNobuyoshi Araki:67 Shooting Back (No. 117)”, 2007, C- print, Format: 125.7  x  100.3 cm, signiert.   Copyright  © Nobuyoshi Araki. Preis auf Anfrage hier – klicken Sie hier: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris- Fragen Sie nach unserer aktuellen Verkaufsliste.

In seiner Heimat wird er vergöttert: Japanische Frauen stehen Schlange, um sich von ihm fotografieren zu lassen. Nobuyoshi Araki ist ein Meister der Aktfotografie – selbst ist er schüchtern. Nobuyoshi Araki wurde 1940 als Sohn eines Schuhverkäufers in Tokio geboren. Er studierte Fotografie an der Chiba Universität Tokio, arbeite dann in der Werbung. Der Bewunderer von Henri Cartier-Bresson und Jean-Luc Godard begann 1964 seine Karriere mit Bildern von Kindern in Tokio, poetischen Stilleben, erotische Blumenaufnahmen und der Dokumentation seiner Hochzeitsreise. Mit Mapplethorpe wurde das Werk ARAKI’s verglichen, mit Félicien Rops oder Hans Bellmers Fetisch-Puppen der dreißiger Jahre. Nan Goldin arbeitete mit ihm, Björk widmete ihm ein Manifest, worin sie ihn zärtlich “Emotionsterrorist” nannte; in den Neunzigern stellte er erfolgreich quer durch die westliche Welt aus; seine Bekanntschaft mit staatlicher Zensur umfasst fast jede Form behördlicher Sabotage. Sie dauert bis heute.

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Thomas Ruff – illusionslose Entzauberungen

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02 Sep. 07 e1363012054844 Thomas Ruff   illusionslose Entzauberungen

Thomas Ruff: “jpeg nt02″, 2006. C-Print auf Diasec, Format: 242.6 x 184.8 cm. Limitierte Auflage 3 Exemplare. Copyright © Thomas Ruff. Preis auf Anfrage:  Klicken Sie hier!

Ein wichtiges Charakteristikum von Thomas Ruffs Fotografie ist die nüchterne und konzentrierte Beobachtung von Wahrnehmungsprozessen, einem nur scheinbar einfachen, selbstverständlichen Thema. In Ruffs fotografischer Reflexion wird nicht nur das Illusionistische und Konzentrierte des Kamerablicks sichtbar, sondern auch das Uneindeutige und Phantasiewillige des Blicks mit „bloßem Auge“. Mit seinen Arbeiten widmet sich Ruff nicht mehr den traditionellen Kunstaufträgen Schönheit und Wahrheit. In Ruffs Konzentration auf Wahrnehmung spiegelt sich vielmehr eine (kunst-) historische Entzauberung wieder. Sie macht Thomas Ruff zum illusionslosen Zeitgenossen unserer heutigen Situation. Zugleich stellt sie Ruff an das jüngste Ende einer Linie von Künstlern wie Marcel Duchamp, Andy Warhol oder Gerhard Richter, in deren Werk Indifferenz produktive Unvoreingenommenheit bedeutet. Die Werkserien zeigen, wie Thomas Ruff den Wahrheitsanspruch von Fotografie durch die Fotografie desillusioniert – mit den illusionistischen Mitteln der Fotografie.

Klicken Sie hier in die Ausstellung mit Werken von Thomas Ruff – klicken Sie hier!

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Sigmar Polke – Rasterfahndung nach Höheren Wesen

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Image29 Sigmar Polke   Rasterfahndung nach Höheren Wesen

Sigmar Polke: Ohne Titel, 1973; Gouache auf Papier, 69,5 x 99,5 cm: Kunstmuseum Bern Sammlung Toni Gerber, Bern – Schenkung 1983 © 2010, ProLitteris, Zürich. Signierte Werke von Sigmar Polke können Sie bei uns bestellen:  Klicken Sie hier für die aktuelle Preisliste Sigmar Polke: Anfragen an Art Galerie Nolden/H Paris.

Was trieb Sigmar Polke, dieser Proteus der zeitgenössischen Malerei, nicht alles mit einem Bild. Er arbeitete mit Rastern und deutet Flecken, er verwendete bedruckte Stoffe und nutzte allerlei Muster, er machte das Bild zum Objekt und setzte ihm chemisch oder alchemistisch zu, er malte und sprühte, schüttete und agierte auf großen und kleinen, blickdichten und transparenten Leinwänden. Er startete seine eigene Rasterfahndung und liess sich von Höheren Wesen befehlen, er machte aus Gummibändern, die er über ins Bild geschlagene Nägel spannte, einen Dürer-Hasen und durchstöberte das deutsche Wohnzimmer ebenso, wie er auf der Suche nach Motiven ganze Bibliotheken durchwühlte……

Klicken Sie hier in unsere Sigmar Polke Ausstellung!

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Tom Wesselmann und seine “Great American Nudes”

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tom wesselmann 32 years old on the beach e1269513860321 Tom Wesselmann und seine Great American NudesTom Wesselmann: “32 years old on the beach”, 1997. Öl auf Leinwand, Format: 122 x 165 cm. Klicken Sie hier für die aktuelle Preisliste: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

Tom Wesselmann erhob die banalen Dinge des modernen Alltags zu Kunstwerken, indem er die Sujets der populären Massenkultur, der Boulevardpresse, der Werbung, der Hochglanzmagazine, des Kinos und der Produktgestaltung zitierte. Ein zentrales Motiv in der amerikanischen Pop Art ist die Darstellung der Frau, inspiriert von den Pin-ups der fünfziger und den neu aufkommenden Playboy-Girls der sechziger Jahre. Wesselmann wählte stets triviale Motive, deren Monumentalisierung und gleichzeitige  Reduzierung zu Stereotypen die sexuelle Emblematik in leuchtenden Farben herausstellt. Dadurch erzielte er eine deutliche und unmittelbare Erotik, die ihn unvergleichbar machten……

Klicken Sie hier in unsere Tom Wesselmann Ausstellung: “Great American Nude” mit ganz besonderen Angeboten!

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Thomas Struth – Visionen der Wirklichkeit

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32 Aug. 31 e1314784394660 Thomas Struth   Visionen der WirklichkeitThomas Struth: “Pergamon Museum II, Berlin”, 2001, C – print, Format: 187.60 x 245,7 cm. Copyright © Thomas Struth

Thomas Struth’s Werk zeichnet sich vor allem durch seine Weigerung aus, dem Spektakulären zu frönen. Es ist nichts Ungewöhnliches in der Art, wie er seine Aufnahmen macht. Der Künstler fokusiert sich nicht auf irgendeine Vision in seinen Fotografien, alles ist scharf, nichts ist verschwommen. Dies führt zu einem besonders ausgeprägten neutralen Effekt in seinen Bildern, denen jede Form der Rhetorik fehlt. In einem frühen Interview noch als Student an der Akademie in Düsseldorf sagte Struth einmal: “Fotografien, die mich beeindrucken tragen keinerlei persönliche Handschrift“. Struth ist nicht auf der Suche nach Ästhetik. Gestaltung und Zusammensetzung in seinen Fotografien führen nie den Blick auf formale oder materielle Motive. Es ist eine Reaktion auf den Kontext der allgemeinen Entwertung und den Verlust der Bedeutung der Fotografie, mit der Struth seine Aufnahmen macht. In einer Strenge, die er von seinen Lehrmeistern Bernd und Hilla Becher übernommen hat. Er will diese negative Erscheinung aber nicht verstärken sondern er versucht weiter, die künstlerischen Möglichkeiten des Mediums auszuleuchten. Sein Werk ist eine sensible Vision der Wirklichkeit, ohne künstliche Techniken, diese würden die Zuschauer nur von der wirklichen Bedeutung, die das Foto kommunizieren will, ablenken. Die scheinbare Einfachheit seines Ansatzes basiert auf einer ausgewogenen Kombination von analytischer Kraft und visuellem Einblick.

Klicken Sie hier in unsere neue Thomas Struth – Ausstellung!

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Roy Lichtenstein – “Sweet Dreams, Baby”

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07 Feb. 19 Roy Lichtenstein   Sweet Dreams, Baby________________________________

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Roy Lichtenstein: ““I Love Liberty”, 1982, Original-Lithografie auf Arches 88 Papier, Format: 97,47 x 68,89 cm, limitierte Auflage 250 Exemplare + 73 Artist Proofs, signiert, datiert: ‘rf Lichtenstein ’82′ und nummeriert 67/250 in Bleistift, unten rechts, gedruckt bei La Paloma, Los Angeles, Herausgeber: „The artist and People for the American Way“, in Verbindung mit der „I Love Liberty Feier“, am 22. Februar 1982 in Los Angeles. Werkverzeichnis: Catalogue / Literatur: Mary Lee Corlett, The prints of Roy Lichtenstein. A Catalogue Raisonné 1948-1997, Manchester. Vermont, 2002, Nr. 192. Authentizitätszertifikat. Bester Zustand, niemals gerahmt. Preis € 48.000. Klicken Sie hier: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

 

Rasterpunkte, gezoomte Comicmotive mit Sprechblasen wie ’’Pow! Sweet dreams, baby!’’ und farbintensive Primärfarben sind Roy Lichtensteins Markenzeichen, mit denen er zum Inbegriff der amerikanischen Pop Art wurde. Der Themenkomplex der “Mirror Paintings” und der “Reflections” hat ihn über Jahrzehnte hinweg beschäftigt. Comic und Reklame erhalten Eingang in seine Kunst, doch hinter der scheinbar naiv-bunten Fröhlichkeit seines Werks verbirgt sich ein komplexer Diskurs über das Wesen von Wirklichkeit und Illusion. Durch die Brechung des Objekts, beispielsweise eines strahlenden, aber stereotypen Glamour-Girls im Spiegel wird ein altes Thema, Mimesis und Widerspiegelung der Welt, aber auch Selbst- und Weltreflexion sowie deren Infragestellung vom Künstler auf ganz eigene Weise interpretiert.

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Georg Baselitz – zwischen Figuration und Abstraktion

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11 Sep. 13 e1347533073888 Georg Baselitz    zwischen Figuration und Abstraktion

Georg Baselitz: “Bruder Günter”,  1996, Aquarell, Unikat, Signatur, gerahmt, Format: 76 x 57 cm. Preis auf Anfrage – klicken Sie hier:  Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

Georg Baselitz versucht eine Malerei zwischen Figuration und Abstraktion zu praktizieren und wird wegen seinem Neoexpressionismus zu der Neuen Figuration gezählt. Einfluss hatte seine Malerei auf die „Jungen Wilden“ der achtziger Jahre, die sich ausdrücklich auf ihn bezogen. 1969 entstand das erstes Bild von Georg Baselitz,  dessen Motiv auf dem Kopf steht. Bei seiner Suche nach dem Bild hinter dem Bild´ (Baselitz) stellte der Künstler die Motive auf den Kopf und schaffte damit eine völlig neue Sehweise. Seit neuestem überarbeitet er seine alten Bildmotive als Remix und stellt sie wieder auf die Füße: “Ich gehe und drehe mich um mich selbst”.

Lesen Sie hier weiter…….!

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A. R. Penck – Meister der Kürzel

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09 Sep. 13 e1347528651558 A. R. Penck   Meister der KürzelA. R. PENCK: “Vergewaltigung”, 1993, Original- Lithographie auf Bütten, signiert, nummeriert, Format: 63,5 x 91,5 cm, limitierte Auflage 25 Exemplare. Preis auf Anfrage – klicken Sie bitte hier: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

Wie kaum ein andere Künstler steht A. R. Penck (geb. 1939 in Dresden) für die Erneuerung der Malerei in Deutschland. Bereits in der DDR thematisiert er immer wieder die Beziehung zwischen Individuum und Gesellschaft. Nach seiner Ausbürgerung 1980 schafft er mit seinem unverwechselbaren Stil aus abstrahierten Figuren und Bildzeichen ein universales Vokabular, in dem die Erinnerung an den Beginn der Malerei in Höhlen mit der aktuellen Zeitgeschichte und der modernen Naturwissenschaft zu einer einprägsamen Bildwelt verschmilzt.

Mehr signierte Werke in unserer A. R. Penck – Ausstellung. Klicken Sie hier!

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Miru Kim – Naked City Spleen

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Image55 Miru Kim   Naked City SpleenMiru Kim:” Richmond Power Station, Philadelphia, PA, USA #1″, 2009, C- Print, limitierte Auflage 5 Exemplare, signiert, Format: 101,5 x 152,5 cm. Copyright © Miru Kim. Preis auf Anfrage, klicken Sie hier: Anfragen an Art Galerie Nolden/H Paris

Mit der Vorstellung, dass fremdartige Existenzen in verlassenen Ruinen grosser Städte wohnen könnten, fing Miru Kim an, urbane Räume neu zu entdecken und zu erfahren. Sie legt ihre Kleider ab, um wie ein nacktes Tier oder ein Kind, auf ihre Umgebung einzuwirken. So verwandeln sich aufgegebenen Orte voller Fremdheit in Räume seltsamer Vertrautheit, deren Schroffheit eine grosse Stille offenbart und deren Gefährlichkeit einer Verspieltheit weicht.

Entdecken Sie hier das Fotoprojekt “Naked City Spleen” von Miru Kim – Klicken Sie hier!

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BETTINA RHEIMS – Rose, c´est Paris!

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Image2 BETTINA RHEIMS   Rose, c´est Paris!Bettina Rheims: “SACRE-COEUR”, 2009, Série: Rose, c´est Paris, Silber- Gelatine Abzug, lim. Auflage 5 Exemplare und 2 Prooves für die Künstlerin, Format : 105 x 81,5 cm. KLICKEN SIE HIER: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

In den frühen Neunziger Jahren ist Bettina Rheims mit Bildern voller Glamour und unterkühlter Erotik berühmt geworden. Danach klopften Magazine wie “Paris Match”, “Vogue” oder der “Stern” bei ihr an. Die Französin hat Jacques Chirac fotografiert und Nicolas Sarkozy. Und Jesus: Sie ließ Szenen aus dem Leben Christi von halbnackten Models nachstellen und sorgte so für einen Skandal.

Sehen Sie hier mehr Fotos von Bettina Rheimsklicken Sie hier!

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Candida Höfer – poetische Schönheit des Alltäglichen

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Image5 Candida Höfer   poetische Schönheit des AlltäglichenCandida Höfer: Herzogin Anna Amalia Bibliothek Weimar II, 20040 – (©) VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

Ich fotografiere in öffentlichen und halböffentlichen Räumen aus unterschied- lichen Epochen. Es sind Räume, die für alle zugänglich sind. Es sind Plätze der Begegnung, der Kommunikation, des Wissens, der Entspannung der Erholung…Alle Räume haben eine Aufgabe und auch die Dinge in den Räumen haben zumeist eine Aufgabe”. (Candida Höfer. Orte Jahre Hrsg. Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Köln, 1999)

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André de Dienes – und die Schönheit des Augenblicks

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Andre de Dienes Nude Untitled1944 e1304674660701 André de Dienes   und die Schönheit des AugenblicksAndre de Dienes: “Untitled”, 1955, Copyright © Shirley T. Ellis de Dienes

André de Dienes (* 13. Dezember 1913 in Turia (Torja), bei Târgu Secuiesc, Rumänien; † 11. April 1985 in Hollywood) war ein US-amerikanischer Fotograf rumänischer Abstammung. Ein emotionaler und leidenschaftlicher Fotograf, de Dienes Objekte fangen die Schönheit des Augenblicks ein. Sie bilden nicht immer die Wahrheit ab, sondern sind die Interpretation eines ganz besonderen Moments. Er bewies dabei eine große Geduld und retuschierte nie, denn die Wahrheit akzeptiert keine Retusche. Seine Fotos entstanden in der Zeit, in der sich die künstlerische Fotografie als eigenständige Kunstform zu etablieren begann.

Klicken Sie hier in die André de Dienes Galerie

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Letizia Battaglia – Fotografin der Mafia

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Image191 e1275328322415 Letizia Battaglia   Fotografin der Mafia


Letizia Battaglia: “Bella”, ca. 1970.

Letizia Battaglia, in Palermo geboren, hat ihr Leben als Fotografin dem Kampf für Gerechtigkeit und Freiheit gewidmet. In ihrem leidenschaftlichen Engagement gegen die Mafia wurde die Kamera zu ihrer Waffe, ihre Bilder rüttelten auf und gaben der Mafia und den Opfern ein Gesicht……

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Jörg Immendorff – ‘hapmi lieb’ und Szenen aus Deutschland

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immendorf cafe 2 e1315583049356 Jörg Immendorff   hapmi lieb und Szenen aus DeutschlandJörg Immendorff: “Cafe Deutschland II”, 1978, Öl auf Leinwand, 290 x 290 cm, Copyright Kunstmuseum Bonn

Die Welt des Jörg Immendorff: Bilder gegen die Teilung Deutschlands und die putzig-lieblichen ’’Arschgesichter’’ unter dem Motto ’’hapmi lieb’’ aus den 60er Jahren, die provokanten, plakativ-politischen Bilder aus den 70ern, die zivilisations-skeptischen Düsterkeiten aus den 80ern, die bundesrepublikanischen Caféhausszenen aus den 90ern und schließlich die ironisch-gebrochenen Collagen aus seinen letzten Lebensjahren. Jörg Immendorffs Werke suchen nach einer Einheit von Kunst und Politik, Kritik und Witz. Er gab den Maoisten, den Macho, den Altrocker – und erlebte zuletzt die dunklen Seiten des Künstlermythos.

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Max Ernst – Traum und Revolution

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Image54 Max Ernst   Traum und RevolutionMax Ernst: “Die Heilige Jungfrau züchtigt das Jesuskind vor drei Zeugen: André Breton, Paul Eluard und dem Maler”, 1926, Museum Ludwig, Köln.

Gerade erst erzielte Max Ernst einen neuen Rekordpreis für ein surrealistisches Gemälde. Sein “The Stolen Mirror”, 1941 wurde am 1. November 2011 bei Christie’s in New York für 16.3 Millionen US-Dollar inkl. Aufgeld verkauft. Der Schätzpreis lag zwischen  4- 6 Millionen US- Dollar. (Erfahren Sie hier mehr). Max Ernst (1896 – 1976) war einer der führenden Künstler des Dada in Deutschland, und stieß später auch zu dem Kreis um André Breton, dem inoffiziellen Gründer der Surrealistischen Bewegung. Zu Beginn des Zweiten Weltkrieges flieht Max Ernst in die USA, zunächst nach New York und später nach Sedona in Arizona, wo er sich zeitweise niederließ. Erst 1950 kehrt er nach Deutschland zurück Hier wird erstmals wieder nach 30 Jahren seine Pionierarbeit in der Vervollkommnung von Maltechnik, Collage und Skulptur beleuchtet sowie seine Techniken in der Frottage, Grattage und nicht zuletzt der Decalcomanie.

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Fernando Botero – Glanz und Exzeß des spanischen Kolonialbarock

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Fernado Botero Rosita Fernando Botero   Glanz und Exzeß des spanischen Kolonialbarock Fernando Botero: “Rosita”

Fernando Botero, bekannt für seine üppig gerundeten Figuren, die den Glanz und den Exzeß des spanischen Kolonialbarock mit dem sozialen Realismus mexikanischer Kunst kombinieren. Die humorvolle Übertreibung verhüllt den weit ernsteren Inhalt von Boteros Arbeiten, die Kolonialismus, Unterdrückung und politische Instabilität in Lateinamerika kommentieren und auch von regionalen künstlerischen Traditionen sowie der europäischen Kunstgeschichte beeinflußt sind. Was als Karikatur oder naive Folklore mißdeutet wurde, ist jedoch reine Auseinandersetzung mit Malerei und Kunstgeschichte, mit künstlerischer Transformation durch Deformation wie bei Picasso, Giacometti, Bacon u.a.

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Elger Esser – Sehnsucht nach dem verlorenen Ort

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Elger Esser France1 e1279875708121 Elger Esser   Sehnsucht nach dem verlorenen Ort

Elger Esser:” Tornay I, France”, 1997, C- Print, Copyright © Elger Esser

Er gehörte zu den letzten Becher-Schülern an der Kunstakademie Düsseldorf. Die Fotografien von Elger Esser, (*1967) scheinen einer längst vergangenen Welt zu entstammen, traumhaft und sehnsüchtig bewegen sie sich zwischen Realität und Illusion. Sie wirken wie ein Déjà-vu, magische Bilder von Flusslandschaften, Brücken, Dörfern und Meeresküsten rufen vage Erinnerungen wach, selbst wenn man nie an einem der Aufnahmeorte gewesen ist.Wie in der Malerei löst Esser somit das Motiv von Ort und Zeit und erschafft stattdessen ein wirkungsmächtiges Sehnsuchtsbild. Selbst wenn man auf diesen Aufnahmen einzelne aktuelle Hinweise entdecken sollte – Esser würde diese Details nie retouchieren –, verlieren die Bilder durch ihre statische Erscheinung die zeitliche Bestimmbarkeit und gewinnen zugleich einen Hauch von Ewigkeit. “Mir ist wichtig, dass sich die Schönheit meiner Bilder nicht so schnell verbraucht. Ich wollte immer das Gefühl haben, die Dinge altern gut und in Würde. Dies steht auch im Gegensatz zu der stereotypen Weise, in der man heute mit Schönheit umgeht……” (Elger Esser).

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ASAKO NARAHASHI – im Meer des Unbehagens

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Image413 e1291110444139 ASAKO NARAHASHI   im Meer des UnbehagensASAKO NARAHASHI: “Momochi”, 2003, (from the series: ‘half awake and half asleep in the water’), C-print, limit. Auflage 12 Exemplare, signiert, Format: 37,1 x 55,2 cm.  Preis auf Anfrage hier: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris – klicken Sie hier!

Der Ozean war stets eine Quelle der Inspiration für viele Künstler: Winslow Homer, Clifford Ross und Richard Misrach, um nur einige zu nennen. Die japanische Fotografin Asako Narahashi teilt diesen Pantheon mit ihren desorientierten Blicken auf Meereslandschaften. Narahashi taucht dazu im Ozean unter und wieder auf, und erfasst so mit ihrer wasserdichten Kamera verzerrte Perspektiven von Land und Meer. Sieht so ein Ertrinkender das letzte Mal Ufer und Oberfläche des Wassers? Oder ist es der Blickwinkel einer aquatischen Kreatur? Es ist auch diese beunruhigende Zweideutigkeit, die an Narahashi ‘s Bilder fesseln.

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Jeff Wall – schonungslose Behutsamkeit

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Image24 e1296036376951 Jeff Wall   schonungslose Behutsamkeit
Jeff Wall: “Milk”, 1984, Transparency in lightbox © The artist

Nachgestellte Wirklichkeit, wiedergegebene Realität, Theater und Reportage gehen in den Bildern von Jeff Wall fließend ineinander über. Inszenierung, Montage und Dokumentation bestimmen seine fotografische Pra Wall sieht sich, in Anlehnung an Charles Baudelaire, als einen „ Maler des modernen Lebens”. Er greift auf die Methoden und den Bildfundus der Fotografie, des Films und der (vor-)modernen Kunst zurück, um auf dem „krummen Pfad” (The Crooked Path, 1991) der Genre-, Landschafts-, Porträt- und Historienmalerei seine Fiktion des modernen, meist urbanen Lebens zu schildern. Kulisse gesucht und an ihr gearbeitet. Einige Bilder werden nachträglich mit dem Computer bearbeitet, manipuliert. Jeff Wall wird zum Medienkünstler. Wir präsentieren hierJeff Wall für Sie.

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ANDY WARHOL – “EVERYONE WILL BE FAMOUS FOR 15 MINUTES”

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10 Jul. 27 ANDY WARHOL – “EVERYONE WILL BE FAMOUS FOR 15 MINUTES” _________________________________________

Andy Warhol: “Querelle, Grey”, Hochwertiger Kunstdruck, 70 x 99 cm. Preis auf Anfrage – klicken Sie hier: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

Andy Warhol (1928-1986) war zu Beginn der 60er Jahre gerade 32 Jahre jung. Er wurde sozusagen über Nacht der Künstlerheld der westlichen Welt. Er stand nicht nur für die Miterfindung der Pop Art, sondern für einen ganz neuen künstlerischen Lebensstil. Was vor ihm die Bohème genannt wurde, wurde unter seinem Einfluß der ’’Underground’’. Was früher ein Studio war, verwandelte er in eine ’’Factory’’, wo Malerei, Photographie, Film, Mode und Rockmusik und Kunstjournalismus nebeneinander betrieben und gleichermaßen revolutioniert wurden und wo eine schöpferische Großfamilie schöner und begabter junger Leute unter kräftiger Beimischung von Sex und Drogen an ihrer kreativen Befreiung arbeitete. Erst ein Attentat, das er nur knapp überlebte, beendete diese wilde Zeit……..

 

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Massimo Vitali – italienische Ansichten

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Image482 e1279867340964 Massimo Vitali   italienische AnsichtenMassimo Vitali: “Animaletti 1″, 2005, sowie weitere signierte Fotografien von Massimo Vitali können Sie bei uns beziehen, klicken Sie hier: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

M. Vitali hat von einem Podest aus vier bis fünf Meter Höhe seine italienischen Landsleute an Stränden, in Discos, auf Plätzen, Flughäfen und in Einkaufsvierteln aufgenommen. Dabei sind detailgenaue Ereignisfotos entstanden, für die bewusst Anleihen bei der Historienmalerei vergangener Jahrhunderte gemacht wurden. Aus der scheinbaren Anonymität einer Großformatfotografie treten somit einzelne Charaktere und Erzählmomente deutlich hervor. In seinen großformatigen und gestochen scharfen Arbeiten hält der Künstler ein zugleich reales und irreales Stück des Alltagslebens fest. Er fixiert die ursprünglichen oder künstlich angelegten Freizeitoasen, die von anonymen Menschenmassen bevölkert werden.

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bernd und hilla becher – kühle Repertorien der industriellen Welt

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Bernd und Hilla Becher Zeche Neu Iserlohn Bochum Werne Ruhrgebiet Deutschland 196364 bernd und hilla becher   kühle Repertorien der industriellen Welt

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Bernd and Hilla Becher: “Zeche Neu-Iserlohn”, Bochum-Werne, Ruhrgebiet, Deutschland, 1963-64

Sind Bernd and Hilla Becher’s Fotografien reine Dokumentation von Industriebauwerken, die – vom Verschwinden bedroht – in ihrer gleichsam magischen Dingpräsenz im Zentrum der Aufnahmen stehen? Oder handelt es sich um Concept Art, Minimal Art, serielle Kunst mit „anonymen Skulpturen“? Seit 1959 arbeiteten Bernd und Hilla Becher an der systematischen Erfassung von Industriebauten des 19. und 20. Jahrhunderts, die sie nach strengen formalen Kriterien fotografierten und als Tableaus zu vergleichenden Typologien zusammenstellen. Dazu gehören Förder- und Wassertürme, Hochöfen, Gasometer, Silos, Fabrikhallen, Zechenanlagen, Zement- und Kalkwerke oder auch die industriell vorgefertigten Siegerländer Fachwerkhäuser. Die Fotografien stehen in der Tradition naturwissenschaftlicher Bildatlanten des 19. Jahrhunderts, der typologischen Bildserien August Sanders und der Industriefotografie der Neuen Sachlichkeit. Bernd und Hilla Becher jedoch diente die fotografische Dokumentation auch zur Darstellung einer konzeptuellen künstlerischen Auffassung.

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Cy Twombly – in memoriam

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03 Jul. 06 Cy Twombly   in memoriamCy Twombly: “Wilder Shores of Love”, 1985, Öl, Kreide und Belistift auf Holzplatte, 140 x 120 cm, Privatsammlung

Er war einer der einflussreichsten Künstler seiner Zeit: Der US-amerikanische Maler und Bildhauer Cy Twombly, der im Juli 2011 in Rom im Alter von 83 Jahren verstarb, lebte seit 1957 in Italien.

Der 1928 in Lexington, Virginia geborene Twombly hat wie kein anderer eine sensible und lyrische Verbindung von Bild und Text erreicht. Neben Robert Rauschenberg und Jasper Johns war er der bedeutendste Vertreter einer Generation, die den Abstrakten Expressionismus ablöste. Wie seinen beiden Kollegen gelang es ihm, eine neue Ära nicht nur der amerikanischen Kunst einzuleiten und eine ganz eigene, höchst einflussreiche Bildsprache zu entwickeln. Twomblys abstrakte, großformatige Werke erzielten bei Auktionen Millionenpreise. Typisch für seine Arbeiten waren die Kombination von Mal- und Zeichentechniken, die Wiederholung von Linien in Verbindung mit graffitiartigen Elementen und Textfetzen. Ihren persönlichsten Ausdruck findet die Kunst von Cy Twombly im kleinen, intimen Format der Zeichnungen, die sein malerisches Werk von Anfang an begleitete, jede Entwicklungsphase mitgetragen und transzendiert haben. Mit einfachsten Mitteln – Bleistift oder Kugelschreiber, Ölkreiden und gewöhnlicher Wandfarbe läßt Twombly – meist in Zyklen, oft auch als Collagen – poetische und mythische Welten erstehen, die nicht nur auf dem Papier, sondern auch in den Köpfen des Betrachters ein magisches Eigenleben entwickeln.

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Alex Prager – “State of the Art Photography”

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Image353 e1290532839315 Alex Prager   State of the Art Photography

Alex Prager: ”Eva”, aus der Serie Weekend,  2008, C – Print, Format: 121 x 250 cm sowie kleinere Formate, limitierte Edition 5 Exemplare, signiert, datiert, nummeriert. Copyright © alex prager. Preisanfragen klicken Sie hier!

Unter dem Titel “State of the Art Photography” stellte das NRW-Forum, Düsseldorf, im Februar dieses Jahres  41 internationale Fotografen vor. Das Kriterium bei der Auswahl war: Welcher Künstler bestimmt in den kommenden Jahren maßgeblich die Fotokunst mit? Wir zeigen Künstler, die in der Ausstellung zu sehen sind und deren Werke können Sie bei uns erwerben. Zum Beispiel dieses Bild oben. Es stammt aus der Serie “Week-End” (2009) von Alex Prager. Prager, vom  MoMa New York in “New Photography 2010″ ausgewählt ist eine Fotografin und Filmemacherin aus Los Angeles. Ihre Bilder umkreisen dramatische Momente, in denen sich alles um Angst, Vereinsamung, Verlangen aber immer wieder auch um Lust dreht. Über ihre Arbeit sagt sie, sie dokumentiere eine Welt, die gleichzeitig existiert und nicht existiert. Die Grenzen zwischen Fantasie und Wirklichkeit verschwimmen, Illusionen werden greifbarer als die Realität.

Erfahren Sie hier mehr – klicken Sie in unsere Alex Prager Ausstellung!

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Jon Kessler: “Habeas Corpus Guantanamo”

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07 Jan. 18 Jon Kessler: Habeas Corpus Guantanamo

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Jon Kessler: “Habeas Corpus”, 2007, (Parkett Edition #79), Skulptur, signiert und nummeriert, lim. Auflage: 60 Exemplare, ungiftiges Urethan-und Polyester Seide, Format: 17 x 8,8 x 7 cm. Preis auf Anfrage – klicken Sie hier: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

Von der Art Basel Miami Beach. Künstler: Jon Kessler, Mixed Media Artist, geb. 1957, lebt und arbeitet in New York, NY. (“Habeas Corpus”, beschreibt das Recht für jeden Inhaftierten in den USA, eine Haftprüfung durch ein ordentliches amerikanisches Gericht zu verlangen).Jon Kessler gestaltet auch raffinierte, aus kinetischen Medien- und Videoskulpturen sowie irritierend vielen Überwachungskameras bestehende räumliche Szenarien. Trotz des hohen technischen Aufwands handelt es sich um Apparaturen, die nicht wirklich funktionieren, denn es wird nur aufgenommen und auf die Monitore übertragen, was sich innerhalb der Installation befindet. Realisiert ist gleichsam nur das Backstage, aber es gibt kein Davor, das hier sinnvoll verarbeitet werden könnte. Er führt uns den ganzen technischen Apparat vor Augen und lässt dabei jeden Voyeurismus leer laufen, weil er uns zeigt, dass es – zumindest für den voyeuristischen Blick – nichts zu sehen gibt.
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Stefanie Schneider – American Dream

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02 Jul. 28 e1311859248636 Stefanie Schneider   American Dream

Stefanie Schneider:“Lollipop 1″ aus der Serie Beachshoot, 2005, limitierte Auflage 5 Exemplare, Analog C-Print, Hand printed by the artist on Aluminum with Matte UV Protection, 80 x 80 cm, EUR 4.800 . Bestellen Sie hier: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

Seit einigen Jahren schon sorgt sie mit ihren Bildern für Furore, Stefanie Schneider. Ihre Blow Ups, die sie in ihrem eigenen Labor selbst vergrößert, bewegen sich zwischen Film, Fotografie und Malerei. Surreal entrückt und irritierend wie ein Thriller von David Lynch, erinnern sie mit ihrer verblichenen Farbigkeit an die Pop-Art der 50er Jahre…..

Sehen und erfahren Sie hier mehr – Klicken Sie hier!

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Toni Frissell – “Weeki Wachee Springs”

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image56 e1269365331773 Toni Frissell   Weeki Wachee Springs

Toni Frissell:“Weeki Wachee Springs, Florida”

Ein Model schwimmt in den Weeki Wachee Springs in Florida. In 40 m Tiefe entspringt der kristallklare Weeki Wachee River, der bereits wenige Kilometer weiter westlich in den Golf von Mexiko mündet. Seine Quelle, die Weeki Wachee Springs, mit einem täglichen Ausstoß von 227 Mio. l Wasser (= 2800 l/ Sek.) ist jahrein, jahraus 23° C warm. Darin liess die amerikanischen Fotografin Toni Frissell (Antoinette Frissell Bacon) für Modeaufnahmen ein Modell schwimmen. Als ihr Foto dann 1947  im “Harper’s Bazaar” veröffentlicht wurde, war sie auf einen Schlag berühmt. Es gehört zu einen ihrer legendär gewordenen Aufnahmen. Doch schöne Frauen waren nicht ihr einziges Thema…..

Lesen Sie hier weiter –  klicken sie hier!

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Shōji Ueda – ‘less is more’

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Image53 e1271349189401 Shōji Ueda   less is more Shoji Ueda:Vater, Mutter, die Kleinen” (Meine Familie), 1949

Shōji Ueda (1913–2000) war ein Fotograf aus Sakai-machi, Saihaku-gun in der Präfektur Tottori, Japan, westlich von Tokyo. Er entwickelte seinen eigenen fotografischen Stil in den Sand-Dünen von Tottori, wo er ausgezeichnete Kulissen für seine Gruppen-Porträts fand, die er im Quadrat-Format und in schwarz/weiß aufnahm. Dazu dienten ihm anfänglich Mitglieder seiner eigenen Familie, mit denen er seine Foto-Inszenierungen in den Dünen begann, und die surrealistische wie auch realistische Elemente aufweisen. Ueda begann später, Akte in den Dünen zu fotografieren, und von 1970 an benutzte er diese Kulisse auch für Mode-Fotografie.

(Signierte Fotos von Shoji Ueda finden Sei bei uns: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris – klicken Sie hier!

Lesen Sie hier weiter…………

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Zhang Huan und Feng Zhengjie – New Chinese Art

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Image24 e1269282517659 Zhang Huan und Feng Zhengjie   New Chinese Art

Zhang Huan: “½” (1998) THE NEW CRITERION, 2008

Geboren 1965 in An Yang City, He Nan Province, China, lebt und arbeitet in Shanghai und New York. Er begann mit teilweise masochistisch erscheinende Performances, die er photographisch oder filmisch dokumentierte. In den späten 90er Jahren gelang ihm der internationale Durchbruch mit einer Teilnahme an der Biennale Venedig und Einzelausstellungen in Asien, Europa und den USA. Klicken Sie hier!

Auch Feng Zhengjie gilt als Gallionsfigur der zeitgenössischen Kunst Chinas, die momentan in allen wichtigen westlichen Museen gezeigt wird. Sein neues chinesisches Malen nimmt internationale Trends auf, macht aber auch Anleihen bei vergangenen Stilen, die Rückkehr zur Painterly-Technik z.B. Er repräsentiert damit die blühende zeitgenössische Kunst-Szene seines Landes. Erfahren Sie hier mehr- lesen Sie hier weiter…klicken Sie hier!

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Helmut Newton – exquisite Inszenierungen

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09 Oct. 09 Helmut Newton   exquisite Inszenierungen

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Helmut Newton: “Big Nude I, Lisa, Paris”, 1981, Gelatine Silber Abzug, signiert, betitelt und nummeriert  in Bleistift en verso, lim. Auflage 13 Exemplare. Format: 222.5 x 106.5 cm. Preis auf Anfrage - KLICKEN SIE HIER:  Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

Mit seinen “Big Nudes” löste Helmut Newton in den 80er Jahren bei Feministinnen heftige Diskussionen aus. Die streng inszenierten Darstellungen wurden von Alice Schwarzer sogar als “faschistoid” bezeichnet. Und immer noch ist die Haltung heutiger Betrachter gegenüber diesen Fotos durchaus ambivalent. Der Anblick von herausfordernd posierenden Frauen, die lediglich mit hochhackigen Schuhen oder anderen Fetischen wie Pelzen, Peitschen und Ketten bekleidet sind, wird meistens als irritierend empfunden. Doch der Beitrag Helmut Newtons zur Geschichte der Fotografie des 20. Jahrhunderts besteht nicht nur in der Provokation. Newton hat die Frau so dargestellt wie sie sich im beginnenden dritten Jahrtausend darstellt: als “begehrendes Subjekt, als eine, die das Spiel eher bestimmt als sich im unterzuordnen, die liebt und begehrt, wann sie will, wen sie will und wie sie will, voller Kraft und Gesundheit, in einem Körper, den sie beherrscht, muskulös und strahlend vor Vitalität”.

 

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Oda Jaune – verstörend poetische Zustände

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Oda jaune Ohne Titel 2010 hATJE CANZ vERLAG1 e1299837482495 Oda Jaune   verstörend poetische Zustände

Oda Jaune: “Ohne Titel”, 2010, lim. Edition 15 Exemplare, Original – Litographie, 35 x 45 cm, signiert. Oda Jaune (*1979) Meisterschülerin an der Kunstakademie Düsseldorf, lebt heute in Paris. Preis € 3.000. KLICKEN SIE HIER: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

Oda Jaune hat in den vergangenen Jahren mit ihrer Malerei international große Erfolge erzielt. Auch ihre Zeichnungen, die »keine weiteren Schichten verbergen, sondern Gedanken direkt und ehrlich festhalten«, verdienen besondere Aufmerksamkeit. In ihren Werken offenbart sich eine einzigartige Welt, in der das Körperliche oft von innen nach außen gedreht wird – Organe, seelische Zustände und das Unterbewusste verschmelzen, treten an die Oberfläche und gehen fantastische, irreale und bisweilen auch psychedelische Kombinationen ein.

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Bettina Rheims – Can You Find Happiness?

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Image21 e1300185482484 Bettina Rheims   Can You Find Happiness?

BETTINA RHEIMS: “CHAMBRE CLOSE”, 1991, Edition à 3 exemplaires et 2 épreuves d’artiste : 78 x 78 cm, Edition à 15 exemplaires : 35 x 35 cm, chromogenic print Copyright © Bettina Rheims. KLICKEN SIE HIER FÜR: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

Bettina Rheims legte 1991 mit »Chambre Close« ihre erste Photoserie in Farbe vor und zeigte wie sehr sie, vielleicht wie niemand sonst, das Vokabular einer Sprache beherrscht, die von weiblicher Erotik und weiblichem Exhibitionismus erzählt. Bettina Rheims` großes Thema ist die Visualisierung weiblicher Erotik in all ihren sinnlichen, emotionalen und beunruhigenden Spielarten, ihr Markenzeichen der sensitive und delikate, oft auch provozierende Zugriff auf ihr Sujet. Sie macht Fotos von Frauen für Frauen, sagt, sie. Starke Weiblichkeit zeigt Rheims, verletzlich aber stets stark.

Klicken Sie hier in die Fotoserie von “Chambre Close” von Bettina Rheims!

 

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Rebecca Horn – Selbstpositionierungen

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04 Jul. 12 e1310481947800 Rebecca Horn   Selbstpositionierungen

Rebecca Horn: “Dublin”, 1997, Original-Farbphotographie, lim. Auflage 80 Exemplare, signiert, numeriert, datiert und betitelt, 69 x 90 cm. Auf Resopal-Platte aufgezogen. Preis EUR 2.100. Für Bestellungen  KLICKEN SIE HIER: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

 

Rebecca Horn ist eine der erfolgreichsten und vielseitigsten deutschen Gegenwartskünstlerinnen, die in den letzten vier Jahrzehnten ein komplexes Œuvre geschaffen hat. Sie ist mit zahlreichen Kunstpreisen ausgezeichnet worden – zuletzt 2010 mit dem sogenannten Nobelpreis der Künste, dem »Praemium Imperiale« des japanischen Kaiserhauses. Rebecca Horn arbeitet mit einer Vielzahl von Medien: Performance, Zeichnung, Installation, Kinetik, Video, Film, Fotografie und Text. Ein Schwerpunkt ihrer Arbeit liegt in der künstlerischen Auseinandersetzung mit politischen, historischen, sozialen und medialen Räumen. Durch ihre Referenzen auf diverse Kunstrichtungen und den – vornehmlich männlich dominierten – Kunstdiskurs positioniert sich Rebecca Horn auf so rebellische wie selbstbewusste Weise im kulturellen Feld.

05 Jul. 12 e1310482372792 Rebecca Horn   SelbstpositionierungenRebecca Horn: “ohne Titel”,  1986, Original-Farblithographie  auf Arches France Bütten, lim. Auflage 120 Exemplare, signiert, numeriert und datiert, 49,5 x 65 cm. EUR 1.500. Für Bestellungen  KLICKEN SIE HIER: Anfragen an Art Galerie Nolden/H – Paris

Rebecca Horn erhielt 1993 als erste Frau eine Einzelausstellung im New Yorker Guggenheim Museum. Ihr Werk umfasst Filme, Performances und Installationen. Sie wird in der Kategorie Skulptur und für ihre “richtungsweisenden Grenzüberschreitungen” geehrt. Nicht erst seit “Crossover” in der aktuellen Kunst zur modischen Zeiterscheinung wurde, arbeitet Rebecca Horn gleichzeitig mit unterschiedlichen Medien: Zeichnung, Skulptur, Installation, Kinetik, Fotografie, Performance, Aktion, Video, Film und Text. Bereits kurz nach ihrem Studium in Hamburg beginnt sie mit Performances, die den eigenen Körper und sein Sensorium zum Thema haben. Dafür konstruiert sie Apparate und Gestelle, die diese Körpererfahrung ermöglichen. Kennzeichnend für diese frühen – und letztlich auch für alle späteren – Werke ist die enge Verbindung, die der Mensch in seiner Bewegung mit der Skulptur bzw. dem Objekt eingeht. Film und Video, die zunächst nur zur Dokumentation der Performance dienen, entwickelt die Künstlerin zu eigenständigen Kommunikationsträgern, die Aktion und Objekt zu einer neuen Werkeinheit verbinden. So entstehen mehrere Filmprojekte von Spielfilmlänge.

 

Biografische Angaben Rebecca Horn

 

1944 geboren in Michelstadt, lebt in Berlin und Paris
1963 Studium an der Hochschule für bildende Künste, Hamburg
1974 Lehrtätigkeit am California Art Institute, University of San Diego
1989 – 2009 Lehrtätigkeit an der Hochschule der Künste, Berlin

 

1972 war Rebecca Horn die jüngste Teilnehmerin der documenta 5 in Kassel. 1993 wurde ihr eine Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum, New York, gewidmet. Diese wurde danach gezeigt im Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven, der Nationalgalerie, Berlin, der Kunsthalle Wien, Wien, der Tate Gallery und der Serpentine Gallery, London, sowie im Musée de Grenoble. Ihre Arbeiten waren bei der Biennale in Venedig (1997), weitere Einzelausstellungen im Irish Museum of Modern Art in Dublin (2001), Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen in Düsseldorf (2004), und Martin Gropius-Bau in Berlin (2006) und anderen Institutionen.

2011 erhielt Rebecca Horn die ‘Grande Médaille des arts plastiques’ von der Académie d’architecture de Paris. Klicken Sie hier!

Museen:

Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart (Berlin), Kunstmuseum Wolfsburg (Wolfsburg), Städel Museum (Frankfurt), Tate Modern (London), ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie (Karlsruhe), The Guggenheim, New York.

 

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